ТОП-10 самых дорогих картин мира

Влиятельные люди склонны преобразовывать эстетику в деньги. Если Вы думаете, что самые дорогие картины в мире находятся на выставках, то Вы глубоко заблуждаетесь. Такие экземпляры были выставлены на...
ТОП-10 самых дорогих картин

Влиятельные люди склонны преобразовывать эстетику в деньги. Если Вы думаете, что самые дорогие картины в мире находятся на выставках, то Вы глубоко заблуждаетесь. Такие экземпляры были выставлены на аукционные торги. Конечно же, далеко не все люди понимают такое искусство.

Кто-то считает шедевр мазней, а кто-то готов за картину отдать заоблачные суммы денег. В любом случае с самыми шедевральными картинами следует ознакомиться.

Мы расскажем Вам о картинах, которые оказались самыми дорогими во всем мире. В этом рейтинге Вы не встретите всем известную “Мону Лизу” Леонардо да Винчи. Посколько этот шедевр застрахован на огромную сумму денег. Если быть точнее – на 100 млн. долларов.

На данный момент “Мона Лиза” попала в книгу Рекордов Гиннеса именно по этой причине. Также следует учитывать, что если переводить на сегодняшний курс доллара, то эта сумма составляет уже 670 миллионов.

ТОП-10 самых дорогих картин – цена, описание

«Спаситель мира», Леонардо да Винчи – $ 450 млн.

Картину “Спаситель мира” написал итальянский художник Леонардо да Винчи в 1500 году. Это дорогое произведение искусства.

Полотно долго считали утраченным. Его заказчиком, вероятнее всего, был Людовик Двенадцатый. Несколько набросков картины находятся в Виндзорском замке. Ей вторят добрых пара десятков работ леонардесков.

В 2011 году в Лондонской национальной галерее, на выставке работ автора, представили отреставрированную версию “Спасителя”. Это, якобы, оригинал, который случайно испортили, а затем закончили в мастерской Леонардо. Через 6 лет работа ушла с молотка за 450 миллионов долларов, возглавив список дражайших произведений искусства.

Да Винчи написал Спасителя на ореховой доске абсолютно фронтально, что несвойственно его стилю. Умиротворенную, величественную фигуру выхватывает из тьмы золотистый свет, льющийся откуда-то сверху.

С первого взгляда зрителя одолевают сомнения: не принадлежит ли фигура обычному человеку? Но еле заметно свечение и неописуемое чувство исходящего от портрета тепла рассеивает их: приходит понимание, что это Иисус Христос.

Взору предстает человек зрелый, много страдавший и даже бывший мертвым, но не утративший веры. Сила его духа не передается словами, только кистью мастера; ее можно лишь увидеть, почувствовать.

В глазах Иисуса – Знание и Любовь, но и тихая, бесконечная печаль. Уголки его рта лишь при долгом наблюдении могут выдать намеку на полуулыбку, как отсылку к знаменитой Джоконде.

Образ на картине детально прорисован, но вместе с тем будто погружен в дымку. И сама фигура чуть размыта; мазки не проглядываются , полутона так плавны, что изображение получилось объемным.

Прекрасно написаны руки Спасителя. Правой он благословляет, в левой держит символ хрупкого человеческого мира – стеклянный шар. Искусствоведы много спорили о странном преломлении света в шаре. Считая, что мастер да Винчи не мог ошибиться, изображая игру лучей – и были правы. Изображение верно при условии, что шар внутри пуст.

Сегодня полотно хранится на яхте купившего его наследного принца Саудовской Аравии. Однако идет строительство культурного центра для представления картины массовому зрителю.

“Мальчик с трубкой” Пабло Пикассо – $ 104 млн. 168 тыс.

Картина была написана после большой череды картин, посвящённых арлекинам и циркачам. На портрете мы видим молодого подростка с трубкой в левой руке и венком из объёмных роз. Этого молодого человека звали Луи.

Пикассо, которому было 24 года, познакомился с ним в период, когда его материальное положение оставляло желать лучшего – скромный мальчишка любил захаживать в мастерскую на Монмартр к будущему великому художнику и наблюдать за процессом создания его произведений.

Это был непростой и странный период в жизни Пикассо: с одной стороны, он завсегдатай модных кафе, где дискуссируют представители богемы и реформаторы искусства, с другой стороны, его жизнь протекает в унылом общежитии среди бродячих артистов, «лёгких» девиц и прочих представителей низов.

Нам неизвестно, кто этот юноша – подмастерье, артист или просто уличный мальчишка, история не сохранила никаких свидетельств. Герой портрета выглядит очень меланхоличным и лиричным, с небольшой примесью печали и спокойствия. Яркие краски фона, тёмные волосы и ярко очерченные черты лица только подчёркивают бледность юноши.

Очень долго портрет юного друга Пикассо был незаконченным. Мастер не мог понять, чего не хватает для гармоничного завершения, и в один прекрасный день, движимы неким порывом-вдохновением, художник дополняет фон яркими цветами и «водружает» на голову мальчика венок-корону из роз. Удовлетворённый своими «находками», Пикассо быстро дописывает портрет.

Цветовой колорит картины сосредоточен на розовых, серых, золотистых и синих тонах. Картина написана в реалистичной манере, в которой, однако, читается особенный неповторимый стиль мастера. Шедевр является одним из самых значимых «розового периода» творчества Пабло Пикассо.

Интересным является история полотна – картина не попала в ряды музейных экспонатов, а всё время находилась в частном собрании. Очень длительное время знаменитое произведение было главной жемчужиной коллекции известного американского коллекционера и магната Дж. Уитни.

В 2004 году вокруг картины разыгралиcь нешуточные страсти. На знаменитом аукционе «Sotheby’s» стартовая цена за шедевр была рекордно большой – 70 млн. долларов. Однако главная сенсация была впереди – картина ушла с торгов за 104 млн. 168 тыс. долларов. Это рекорд держался более 6 лет. Как и ранее, картина сегодня находится в частной коллекции.

“Крик”, Эдвард Мунк – $ 119 млн. 922 тыс.

Образец экспрессионизма, картина “Крик”, как и многочисленные ее варианты, до сих пор является одним из самых загадочных шедевров мировой живописи. Многие критики полагают, что сюжет картины – плод больной фантазии психически нездорового человека.

Кто-то видит в работе предчувствие экологической катастрофы, кто-то решает вопрос о том, какая именно мумия вдохновила автора на эту работу. За всеми мудрствованиями пропадает главное – эмоции, которые вызывает эта картина, атмосфера, которую она передает и идея, которую каждый зритель может сформулировать для себя самостоятельно.

Что же изобразил автор? Какой смысл вложил он в свою неоднозначную работу? Что хотел сказать миру? Ответы на эти вопросы могут быть разными, но все сойдутся в одном общем мнении – “крик” заставляет зрителя погрузиться в непростые размышления о себе самом и современной жизни.

Красное, огненно горячее небо накрыло холодный фьорд, который, в свою очередь, рождает фантастическую тень, схожую с неким морским чудовищем. Напряжение исказило пространство, линии сломались, цвета не согласуются, перспектива уничтожается.

Нерушимо ровным остается лишь мост, на котором стоят герои картины. Он противопоставлен тому хаосу, в который погружается мир. Мост – барьер, отделяющий человека от природы. Защищенные цивилизацией, люди разучились чувствовать, видеть и слышать. Две равнодушные фигуры вдали, никак не реагирующие на происходящее вокруг, только подчеркивают трагизм сюжета.

Помещенная в центр композиции фигура отчаянно кричащего человека, притягивает внимание зрителя в первую очередь. На обезличенном до примитива лице читается отчаяние и ужас, граничащие с безумием. Автору удалось скупыми средствами передать мощнейшие человеческие эмоции.

В глазах страдание, широко открытый рот делает сам крик пронзительным и реально ощутимым. Поднятые руки, закрывающие уши, говорят о рефлекторном желании человека убежать от себя самого, прекратить этот приступ страха и безнадежности.

Одиночество главного героя, его хрупкость и уязвимость, наполняют всю работу особым трагизмом и энергетикой. Автор использует сложную технику, в одной работе используя и масляные краски и темперу. Одновременно с этим колорит работы прост, даже скуп. Фактически два цвета – красный и синий, а также смешение двух этих цветов – и создают всю работу.

Замысловатые, нереальные изгибы линий в изображении центральной фигуры и природы наполняют композицию энергией и драматизмом. Зритель решает для себя вопрос: что же первично в работе – крик или деформация.

Что в основе работы? Пожалуй, отчаяние и ужас проявившиеся в крике и породили деформацию вокруг, отзываясь на эмоции человека, природа реагирует подобным образом. В деформации можно также усмотреть “крик”.

Удивительно то, что эту работу Мунка несколько раз похищали злоумышленники. И дело не столько в колоссальной стоимости “Крика”. Дело в уникальном и необъяснимом воздействии этой работы на зрителя. Картина эмоционально насыщенна и способна вызывать сильные эмоции.

С другой стороны, самым неведомым образом, создав свой шедевр в самом конце 19 века, автор сумел предсказать трагичность и обилие катастроф века двадцатого.

“Игроки в карты”, Поль Сезан – $ 250 млн.

Известнейшее произведение искусства, купленное королевской семьей Катара – “Игроки в карты”. Автор шедевра – французский художник Поль Сезан. Рисовались “Игроки в карты” ровно 1 год, начиная с 1892 года и заканчивая 1893 годом. Королевская семья купила картину 2 года назад. Это – самая дорогая стоимость за шедевр открытых торгов, а именно – 250 млн. долларов.

Картина «Игроки в карты», приписываемая кисти Луи Ленена, была знакома Полю Сезанну с юных лет. Он не раз любовался ею, посещая музей в Эксе, и всегда хотел так же мастерски рисовать, как и автор этого полотна.

В 1889 году Сезанн вернулся в Жа и приступил к воплощению своей юношеской мечты. По замыслу художника композиция будущего полотна не должна была быть шаблонной. В качестве моделей он выбрал крестьян с местной фермы. Ему нравилась их сдержанность, задумчивость и степенность — то, что многие горожане в силу высокомерия попросту не замечали.

Поль Сезанн Сезанн принялся за двухметровое полотно с огромным усердием и любовью. Он делал многочисленные наброски будущих персонажей, чтобы набить руку. Терпение крестьян, неподвижно позировавших в течение нескольких часов, поражало его.

Однако вскоре художника стали одолевать сомнения: персонажи показались слишком грузными, а их расположение и окружающая обстановка неподходящими. Это вынудило начать работу сызнова. Так повторялось еще не раз. В итоге на свет появилось шесть вариантов данной картины.

В конечной версии количество героев сократилось до четырех, а обстановка и фактура стали более упрощенными. Многие, знавшие Сезанна преимущественно по натюрмортам, считали, что персонажи на его картинах выглядят бездушно, и обвиняли в том, что он раскладывает их на холсте точно яблоки или апельсины.

Однако после того как полотно «Игроки в карты» было продемонстрировано общественности, мнение о художнике изменилось. Сезанн предстал как человек сложной внутренней работы и исканий, ценивший жизнь и любивший размышлять о смысле бытия.

Изображенные на картине персонажи играют в карты, они сосредоточенны и погружены в раздумья. Даже стоящий у стены мужчина хотя и не участвует, но пристально наблюдает за игрой. Интерьер выглядит лаконично и сдержанно (в качестве декораций использовались предметы из мастерской художника).

“Портрет доктора Гаше”, Винсент ван Гог – $ 82,5 млн.

Ван Гог писал множество портретов. Во время своего пребывания в Боринаже и в Северной Голландии он сделал много рисунков силуэтов и лиц. Одним из них стал и портрет доктора Гаше.

История написания картины следующая. По приезде Ван Гога вОвер-сюр-Уаз 20 мая 1890 года, его ожидал доктор Гаше, взявшийся обеспечить ему врачебный уход.

Он принимает Ван Гога очень сердечно, но художник — как указывает написанное в этот же день письмо к брату — сохраняет определенную сдержанность: «Видел доктора Гаше, который произвел на меня впечатление эксцентрика. Его врачебный опыт помогает ему сохранять равновесие и бороться с нервной болезнью, которую, я уверен, он терпит в не меньшей степени, чем я».

Доктор Гаше в свободные минуты пробует приобщиться к живописи и графике, кроме того, он является коллекционером произведений искусства. Владеет, между прочим, «очень хорошим Писсаро» и «двумя красивыми букетами Сезанна».

Несколькими днями позже мнение Ван Гога о докторе улучшится: «Он кажется мне очень рассудительным, верю, что наконец мы станем друзьями». Чтобы отблагодарить за угощения, на которые Гаше постоянно приглашает Ван Гога, Винсент увековечивает хозяина на полотне.

Он пишет об этом брату: «Я недавно написал портрет доктора Гаше с печальным выражением лица, столь характерным для нашего времени…». Так появилось два портрета доктора Гаше.

После смерти Ван Гога картина в наследство перешла его сестре, которая, в свою очередь, в 1897 году продала её частному коллекционеру. Картина несколько раз переходила из рук в руки, пока её не приобрёл в 1911 годуШтеделевский художественный институт. Картина пребывала во Франкфурте-на-Майне до 1937 года.

В 1933 году после прихода к власти национал-социалистов, картину снимают с выставки и переносят в хранилище музея. В 1937 году на волне кампании по избавлению от так называемого «дегенеративного искусства», картина была конфискованаИмперским министерством народного просвещения и пропаганды.

В 1938 году Герман Геринг продал картину дилеру произведений искусства в Амстердам, а тот, в свою очередь, перепродал её частному коллекционеру Зигфриду Крамарски, который бежал во время войны вместе с ней в США. В дальнейшем картина часто выставлялась в музееМетрополитен.

В 1990 году семья Крамарски выставляет картину на аукцион, где она была продана за рекордную сумму (82,5 млн долларов) японскому магнату Рёэй Сайто, который в свою очередь после покупки вызвал сильный скандал, высказав намерение кремировать полотно вместе с ним после его смерти.

Хотя позднее скандал удалось замять, под предлогом того, что данные слова были сказаны от сильно эмоционального переживания (по другим данным — дезинформация, намеренно пущенная для проверки подлинности картины).

В 1996 году, после смерти владельца, картина была продана в международный инвестиционный фонд, который, в свою очередь, вскоре продал её в «неизвестные руки». Вторая версия в настоящее время находится в Музее Орсе в Париже.

«Когда свадьба?», Поля Гогена – $ 300 млн.

Картина Поля Гогена таитянского периода «Когда свадьба?» стала самым дорогим проданным произведением искусства в мире. Ее купил у швейцарского коллекционера Рудольфа Штейхелина коллекционер из Катара за сумму, близкую к $300 млн.

Работа, как и другие вещи из собрания Штейхелинов, была на хранении в Художественном музее Базеля. Коллекцию начал собирать после Первой мировой войны дедушка Рудольфа Штехелина, его тезка.

Продажу произведения Рудольф Штехелин объяснил необходимостью «модифицировать активы», а также тем, что ему предложили за картину удачную цену. «Большая часть моих активов — это картины, на которые люди приходят смотреть бесплатно. Это великие произведения искусства, но это еще и инвестиции».

В Катар «Когда свадьба?» отправится только в январе следующего года. Сначала она будет показана на выставке картин Гогена в Фонде Бейелеров, затем отправится в мадридский Центр искусств королевы Софии, а затем будет выставлена в Phillips Collection в Вашингтоне.

Интересно, что ранее самая дорогая картина Поля Гогена, проданная на аукционе, стоила гораздо меньше. В 2007 году полотно «Утро», тоже таитянского периода художника, ушло с молотка на Sotheby`s за $39,2 млн.

Предыдущая рекордная продажа произведения искусства также была непубличной, и покупатель тоже был из Катара. В 2011 году полотно Поля Сезанна «Игроки в карты» приобрела катарская королевская семья за $250 млн. Самым дорогим произведением искусства, проданным на аукционе, стал триптих Фрэнсиса Бэкона «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда», ушедший с молотка на Christie`s за $142,4 млн.

Интерес к Гогену подогревается и событиями, далекими от арт-рынка, но близкими к Голливуду. В это воскресенье, 8 февраля, на выставке Гогена в Фонде Бейелера выступит с лекцией американский актер Киану Ривз («Матрица»). Ривз расскажет о главном литературном произведении Гогена — «Ноа-Ноа», о жизни художника на Гаити. Все билеты на мероприятие проданы.

«Белый центр», Марка Ротко – $ 72,8 млн.

Картина написана в 1950 году. Продана она за 72,8 млн. долларов. Этот шедевр по праву считается 12ым в списке самых дорогих картин в мире. Вопрос о том, что Марка можно назвать коренной русской душой, также спорный. Родился он в Латвии, а Россию покинул в 10 лет, когда еще не было ни слова о том, что он будет рисовать.

Американский художник Марк Ротко не очень известен у нас в России. Но, несмотря на это его картины продаются на аукционах за сотни миллионов долларов. Что же делает его картины такими дорогими?

Ведь на первый взгляд большинство картин Ротко – это квадраты, цветные линии и смешение цветов. На самом деле, автор вложил большой смысл в свои картины, именно поэтому многие утверждают, что им нет цены.

Марк Ротко писал в стиле абстрактного экспрессионизма. Для этого сюжета характерны непонятные сюжеты, необычные сочетания, а изображения легки в своём исполнении.

Картина «Белый цент» также непонятна на первый взгляд, как и все творения экспрессионистов. На картине мы видим три полосы. Снизу ярко-розовая, в центре – белая, чуть выше белой полосы мы видим тонкую черную, сверху – жёлтая полоса.

Именно разноцветные полосы характерны для творчества Ротко. Он любил творить на больших полотнах, используя самые яркие цвета и их сочетания. Это и было отличительной чертой изобразительного искусства 50-х годов двадцатого века.

Многие до сих пор спорят, имеют ли смысл все эти полосы, цвета и размеры? Некоторые утверждают, что смысла нет, а художник всего лишь хотел передать свои эмоции через такие краски. Ну, а те, кто любит философствовать говорят, что белый цвет в середине символизирует наши мечты и надежды.

Черный – это образ всего плохого, что есть на земле. А яркие цвета – это символ того, что всё в этой жизни прекрасно. Некоторые считают, что так художник показал нам день. Розовы – рассвет, белые – день, желтый – закат, а черный – ночь. Сам же автор говорил, что творит ради удовольствия.

Каждый сам для себя должен решить, искусство это или баловство. Но картины Ротко набирают всё большую популярность. Возможно, люди начинают замечать какие-то удивительные черты, а возможно это всего лишь отличная реклама и мода на экспрессионизм.

“Супрематическая композиция”, Казимир Малевич – $ 85 млн. 812 тыс. 500

Картина «Супрематическая композиция», которую еще называют «Синий прямоугольник поверх красного луча», предварительно оценивалась в 70 млн долларов. Итоговая цена на торгах в Нью-Йорке 15 мая составила 85 миллионов 812 тысяч 500 долларов.

Это рекордная стоимость для картин русских художников за всю историю публичных аукционов. «Супрематическая композиция (синий прямоугольник поверх красного луча)» – картина удивительной судьбы.

Она волшебным образом просочилась сквозь советский железный занавес, чудом избежала фашистских аутодафе, побывала за океаном, пережила кровопролитные судебные тяжбы и, в конце концов, оказалась на аукционе Sotheby’s, став одним из самых (а, скорее всего, самым) дорогим произведением в истории русского искусства.

Просто удивительно, что о ее мытарствах до сих пор не снял фильм Стивен Спилберг. 10 лет назад, в 2008 году, в Нью-Йорке на аукционе Sotheby’s была выставлена на торги Супрематическая композиция, известная также как «Синий прямоугольник поверх красного луча». Картина была написана в 1916-м, тогда же, когда Малевич опубликовал свой знаменитый Манифест супрематизма.

Эта работа с успехом демонстрировалось на выставках в России. В 1927 году Малевич решил познакомить Западную Европу с супрематизмом и отправился с этой картиной на выставку в Варшаву, а затем Берлин.

Когда ему понадобилось вернуться в Союз, он отдал холст на хранение немецкому архитектору Гуго Герингу. В будущем, когда в Германии к власти пришли нацисты, именно Геринг смог вывезти из страны многие работы авангардистов, которые должны были быть уничтожены как образцы «дегенеративного искусства». В числе спасенных оказалась и «композиция» Малевича.

В 1958 году картина была продана музею Стеделик в Амстердаме, где экспонировалась долгие годы. Законные наследники Малевича решили оспорить сделку, заключенную без их ведома. После 17-летнего спора музей возвратил им несколько полотен художника, среди которых была и «Супрематическая композиция».

В ноябре 2008 года наследники выставили ее на торги, что стало сразу важным событием арт-рынка, так как произведения художника на нем почти не появлялись. В итоге холст был продан по рекордной цене – более 60 млн долларов.

Таким образом «Супрематическая композиция» стала одной из самых дорогих картин в истории, написанной русским художником. Интересный факт – имя покупателя картины до сих пор не афишируется.

«Водяные змеи II», Густав Климт – $ 187 млн.

Густав Климт – один из ярчайших представителей австрийского модерна, – имел в своем арсенале множество приемов обогатить подачу собственных полотен. Благодаря талантливому владению различными материалами в купе с маслом, его работы отличались каждый раз, словно новое кондитерское блюдо.

В этом списке бывали и откровенные рисовальные наброски с женщинами в развратных позах, необычное сочетание разнофактурных материалов, мозаики, масла и сусального золота. Использование золотой основы в живописных работах обозначило целый период творчества Климта как “золотой период”.

Представленная на суд зрителя картина “Водяные змеи” была написана именно в “золотом” отрезке и является продолжением небольшой серии полотен с одноименным названием. Конкретно эта работа имеет порядковый номер II.

“Водяные змеи” – яркий образец эпохи модерна и своеобразная визитная карточка автора, впрочем, как и другие работы. Как обычно, Климт написал животных очеловеченными, превращенными в женщин. Это не просто змеи, а настоящие девицы с телами, красивыми лицами и копной волос.

Множество женщин-змей собрано в длинные гирлянды – кто-то плывет по течению, другая, жгучая брюнетка – плывет наперекор воде.

Они бледны и покрыты пятнами, похожими на следы потертости, огрубевшей кожи. Быть может, в силу инфантильности самих змей, вечной спячки и лени, лежания на дне? Климт наделил своих женщин холодной красотой и славянскими чертами.

Единственным украшением каждой явились пышные шевелюры с вкраплением ракушек и цветных камней, водорослей неземного происхождения, стилизованных художником.

Работа дышит ярким приторным колоритом с привкусом морской капусты, той самой, что легла мягкой прослойкой между красавицами. Стилизованное изображение змей выдает необузданность Густава и его тягу к обнаженной фактуре. Дотошность к женскому началу открывают сексуальные наклонности автора и потребность созерцать, лепить собственную женщину.

Неугомонность в красках Климта выражена в “Водяных змеях II” многоцветием палитры, контрастом и декоративностью. Учитывая размеры полотна, автор демонстрирует здесь чувство пространства, отличную компоновку и заполнение пустот.

Многослойность деталей уничтожает скуку, которая могла бы жить в повествовании о жизни морских обителей, а их олицетворение с женщинами – тем паче.

“Авария серебряной машины”, Энди Уорхол $ 105,4 млн.

Аукцион Sotheby’s провел крупнейший за свою историю аукцион, на котором собрал 380,6 млн долл. – рекорд для подобных торгов. Продажа картины Энди Уорхола “Авария серебряной машины (Двойная катастрофа)” принесла более четверти собранной суммы, сообщает Reuters.

На аукцион был выставлен 61 лот, продано 54. Общий эстимейт составлял 394 млн долл. Картина Уорхола ушла с молотка за 105,44 млн долл. включая комиссионные. До этого рекордом американского короля поп-арта были собранные 71,7 млн долл.

Sotheby’s не удосужился назвать обладателя картины, известно лишь, что торги он выиграл по телефону. Интересно, что картину изначально оценили в 60 млн долл, но торги принесли почти в два раза больше.

“Как тут не восхищаться, когда проводишь крупнейший за всю историю Sotheby’s аукцион”, – заявил глава подразделения современного искусства Тобиас Мейер.

Помимо полотна Уорхола с молотка ушли картина Герхарда Рихтера “А.Б.Курбе”, проданная за 26,5 млн долл., работа Жан-Мишеля Баския “Без названия (Желтая смола и перья)” (25,9 млн долл.), картина “Поэмы морю” Сая Твомбли была продана за 21,7 млн долл.

Энди Уорхол — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Основатель идеологии homo universale, создатель произведений, которые являются синонимом понятия “коммерческий поп-арт”.

Жми «Нравится» и получай только лучшие посты в Facebook ↓
Понравилось? Поделись с друзьями: